El viaje de Petruschki hacia lo azul - Capitulo 2 - Artemisia Gentileschi - Los cuerpos de las guerreras

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En diciembre de 2019 hicimos un viaje en autobús y tren por España, Francia, Alemania, Bélgica, Gran Bretaña e Irlanda. El objetivo era la exposición ¡Protest! de Derek Jarman en Dublín y había tanto que ver por el camino. Al final, visitamos 21 exposiciones y también descubrimos otras historias interesantes. Este capítulo va sobre Artemisia Gentileschi.

Todo comienza con un desvío... que nos lleva a Artemisia Gentileschi. El viaje ha quedado atrás y ya no se habla de lo que vendrá.

La mirada de María Magdalena

La imagen de la portada es un detalle del cuadro, Maria Maddalena come la Malinconia, o María Magdalena de la Melancolía, de Artemisia Gentileschi de los años 1622 a 1625. Copió un cuadro que había realizado poco antes y se retrataba a si misma en él como María Magdalena. En esos tiempos, María Magdalena solía mirar al suelo arrepentida o llorando a lo lejos. Esta Magdalena mira al espectador con los ojos entrecerrados, podría haber estado llorando. Esa mirada llamó inmediatamente mi atención. En la melancolía uno se queda consigo mismo, persigue la introspección. Pero esta mirada es hacia afuera. Al principio pensé que me estaba evaluando. "¿Qué quieres de mí, imbécil?" ¡Es punk! Hay algo como acechando en su mirada. Y luego está ese cuerpo compacto, tan fuerte, tan poderoso. Aquí María Magdalena tiene algo peligroso para la persona que está frente a ella. O igual soy yo.

Artemisia Gentileschi María Magdalena como melancolía 1622-1625

En su novela “El momento mágico de María Magdalena: una historia del arte”, Astrid Petermeier escribe sobre el cuadro de María Magdalena que Gentileschi pintó un poco antes y que se encuentra hoy en Sevilla. Ella escribe que, en la Edad Media, la melancolía se consideraba un pecado mortal. Antes, Platón la había vinculado con la genialidad, idea que fue retomada en el Renacimiento. La idea de que la melancolía convertía al hombre en un genio y a la mujer le traía histeria. En la melancolía uno se retiraba, se detenía para dejar que la inspiración llegara y luego dar a luz a una nueva creación. Se quedaba uno preñado, por así decirlo. Por tanto, la melancolía no se veía como un estancamiento, sino como un proceso artístico.

En la medicina griega antigua existía la teoría de los cuatro humores, o líquidos, según la cual el cuerpo estaba formado por sangre, flema, bilis amarilla y bilis negra. Si los jugos se desequilibraban, significaba que uno estaba enfermo. Un exceso de bilis negra provocaba melancolía. La bilis negra rezumaba de los ojos. Y eso nos vuelve a esa mirada especial.

Junto a María Magdalena solo vemos el bote de ungüento, sin calavera y sin flagelo, sus otros atributos sagrados iconográficos. Tampoco hay joyas desechadas como señal de que ha renunciado a la vanidad humana. La luz del frasco de ungüento se apaga y luz significa conocimiento. En la confirmación, los católicos reciben el Espíritu Santo en un frasco de ungüento.

Y otra historia interesante (entre muchas otras de este libro): en una escena, la parte superior del cuadro está cubierta. El espectador ve la barriga redonda y posiblemente embarazada de María Magdalena. Astrid Petermeier imagina a Artemisia Gentileschi hablando sobre el posible embarazo de melancolía de María Magdalena: “En esta imagen, sobre todo quería demostrar la capacidad de la melancolía de dar a luz el conocimiento. Quería mostrar que el estado de melancolía es cuando nos quedamos embarazados de una idea, una realización o nuestra vocación."

Este interesante y entretenido libro puede encontrarse con el código ISBN-13: 978-3749747009, también en la página web de Astrid Petermeier

La primera “Magdalena come la Malinconia” o Magdalena como la Melancolía, está en la Catedral de Sevilla. La Magdalena de la que hablo se encuentra en Mexiko-Stadt, Museo Soumaya

Artemsia Gentileschi Selbstporträt als Allegorie der Malerei

Este es un autorretrato de la pintora como alegoría de la pintura. Se puede ver normalmente en el Palacio de Kensington en Londres. En este capítulo me dedico a Artemisia Gentileschi, probablemente la pintora barroca más famosa. En realidad, antes quería presentarles a otras pintoras: Properzia di Rossi, Susanna Horenbout, Levina Teerlin, Antonia Catharina von Hermessen, Laviania Fontana, Irene de Spilinbergo, Barbara Longhi, Marietta Robusti, Fede Galizia ... Una vez comenzado el viaje, tras empezar la exploración, aprendí que Plautilla Neli, Sofonisba Anguissola y Artemisia Gentileschi no estaban solas. Que no fueron ni mucho menos las únicas pintoras del Renacimiento y el Barroco. En algún momento conseguirán un lugar aquí en este extenso viaje. Y también las que pintaron después de los tiempos de Artemisia, como Clara Peters por ejemplo. O Judith Lyster. Y otras más. Este capítulo sobre Artemisia Gentileschi es la segunda publicación del blog, incluso antes de que haya comenzado el viaje, pues hasta el 21 de enero de 2021 hubo una gran Ausstellung “Artemisia” , en la National Gallery de Londres. Hay todavía muchas imágenes e información sobre Artemisia Gentileschi en el sitio web del museo. También algunos videos muy interesantes. Todavía se puede reservar una visita virtual a la exposición, pero solo para miembros del museo.

Hasta principios de junio hay una exposición en Milán de pintores renacentistas y barrocos. Aquí, por supuesto, también se puede ver imágenes de Artemisia Gentileschi:

LE SIGNORE DELL'ARTE. Storie di donne tra '500 e '600

5 de febrero - 6 de junio de 2021 Palazzo Real de Milán

Artemisia Gentileschi Susanna und die Alten 1610

La primera obra maestra: Susanna y los viejos

“Entonces en ellos surgió el deseo hacia ella. Sus pensamientos se corrompieron y sus ojos se desviaron.” (Dan 13,9 EU)

Susanna era la esposa de un hombre rico, en cuya casa se reunían los viejos sabios. Dos de ellos estaban interesados ​​en ella. Un día, cuando Susanna quiso darse un baño en el jardín privado, los dos viejos se escondieron y la esperaron. La instaron a tener relaciones sexuales con ellos, de lo contrario, la acusarían de haber cometido adulterio con un joven. Pero Susanna gritó y los dos mayores también empezaron a gritar e hicieron arrestar a Susanna. Susanna fue públicamente condenada a muerte. Pero Daniel, inspirado por el Espíritu Santo, pidió que interrogaran a los dos carcamales. Les preguntó por separado bajo qué árbol Susanna engañó a su marido. Mientras uno dijo que lo hizo debajo de un lentisco, el otro señaló un roble. Los dos mentirosos fueron descubiertos y Susanna liberada. Así, los dos falsos testigos perdieron su vida.

Hasta aquí la historia de Susana en el libro de Daniel en la Biblia. Artemisia Gentileschi tenía 17 años cuando pintó este cuadro. Su conocimiento de la anatomía femenina es asombroso, por ejemplo, en cómo se aprecia el seno derecho presionado bajo del brazo defensor. Probablemente pudo pintar a partir de los modelos artísticos desnudos con los que trabajaba su padre. Es fascinante como retrata la expresión en los rostros de los ancianos babeantes y el asco, la desesperación y la opresión de Susanna.

Mary Garrad, una de las historiadoras de arte feminista más famosas, escribe en su libro Artemisia Gentileschi: “La imagen de la heroína en el arte barroco italiano de 1989: “Lo que la pintura nos muestra es una reflexión, no sobre la violación en sí, sino cómo una joven sentía su propia vulnerabilidad sexual en 1610. Es revelador que Susanna no exprese la violencia de la violación, sino la presión intimidante de la amenaza de la violación."

La pintura se encuentra en Pommersfelden, Schloss Weißenstein, Alemania, en la exposición de la Schönbornschen Kunstsammlung.

Artemisia Gentileschi nació en Roma en 1593, perdió a su madre a una edad temprana y creció con su padre y profesor, el pintor Orazio Gentileschi. Probablemente recibiera lecciones de perspectiva del pintor Agostino Tassi, un amigo de su padre. Tassi violó a Artemisia y le prometió matrimonio para asegurar su silencio. Pero probablemente ya estuviera casado y rompió su promesa, por lo que Orazio litigó contra Tassi en 1612. Artemisia fue sometida a un examen pélvico y fue torturada con un aplastapulgares para determinar si estaba diciendo la verdad y que no era una prostituta, afirmación con la que Tassi intentó salirse del asunto. Finalmente, este recibió una sentencia leve por otros delitos, que nunca cumplió.

Artemisia Gentileschi Judith enthauptet Holofernes 1611/1612

"Cuando llegamos a la puerta, me empujó dentro de la habitación y nos encerró. Con un golpe en el pecho me tiró sobre la cama, me puso la rodilla entre los muslos y me tapó la boca con un pañuelo para que no pudiera gritar. Luego me subió la falda, lo que le supuso bastante esfuerzo, puso su segunda rodilla entre mis piernas y metió su miembro en mi vulva. Entonces soltó mi mano y comenzó a empujar. Sentí un ardor y un dolor severo. Resistí, pero no pude pedir ayuda porque aún me tapaba la boca. Le rasqué la cara, le arranqué el pelo y, antes de metérmelo, le di un golpe en el pene tan fuerte que se le desprendió un trozo de carne. Pero no se detuvo y continuó con su ajetreo. No se bajó de mí hasta que terminó su tarea. Cuando me libré, corrí al cajón del escritorio y saqué un cuchillo, me abalancé sobre Agostino y grité: '¡Voy a matarte con este cuchillo, pues me has violado!'”

Artemisia Gentileschi dejó constancia de la violación. Pintó el cuadro Judith decapitando a Holofernes el año del juicio. En el rostro de Judith puede observarse una increíble determinación. En contraste con el famoso cuadro de Caravaggio, en el que la niña Judith tiene que armarse de valor, y en el que se observa el disgusto escrito en su rostro, en este cuadro se ve energía, concentración y trabajo. La joven criada presiona a Holofernes con firmeza y lo agarra con ambos brazos. No hay ni un signo duda en la Judith de Artemisia Gentileschi. ¡Hay que hacerlo! Si uno compara los autorretratos de Gentileschi con los rasgos faciales de Judith, la similitud es inconfundible. También se cree que Tassi fue el modelo para Holofernes. Es una forma tremendamente poderosa en la que la pintora se libera del trauma utilizando sus extraordinarias habilidades para vengarse a través de la representación de este asesinato. Una fuerza femenina mortal. Según Mary Garrad, Artemisia pintó este tema cinco veces más en su vida. Nunca antes se había mostrado Judith como una heroína, hasta que Gentileschi la interpretara llena de fuerza y ​​violencia.

Artemisia Gentileschi Judith und Holofernes 1614-1620

Esta es la segunda versión de este tema, de los años 1614 a 1620. Se pueden ver las piernas desnudas de Holofernes, lo que le hace parecer más vulnerable. En esta representación Judith y su criada también aparecen energéticas y despiadadas. La sangre salpica. En el barroco se popularizó la representación drástica y teatral, y es muy probable que Caravaggio y su famosa pintura Judith y Holofernes influyeran a Gentileschi. Pero la violencia y el poder en sus dos imágenes son incomparablemente más potentes. Roland Barthes dijo sobre las dos mujeres que le parecían "trabajadoras que están a punto de sacrificar un cerdo".

En esta segunda obra, Judith lleva un brazalete camafeo. Está en una posición bastante expuesta y un chorro de sangre apunta directamente a la pulsera. Es relativamente difícil ver lo que se representa en los camafeos. En cualquier caso, se ve una figura femenina. Diane Apostolos-Cappadona escribe en su ensayo Vistiendo a Judith en el arte italiano del siglo XVI: “Me imagino que toda la serie de camafeos del brazalete son representaciones de Artemisa, la diosa virgen de la caza y la luna. Es una precursora de la Virgen María y una referencia obvia tanto a Judith como a la pintora." En el Renacimiento, después de recuperar la tradición clásica, Artemisa fue considerada no solo como la precursora de la Virgen María, sino también como Judith. Judith se volvió más guerrera. Por cierto, Artemisia significa regalo de Artemis.

Este arco de sangre a borbotones que golpea el brazalete me fascina. Y para mí está perfectamente claro que Gentileschi está contando otra historia con esto.

Fuente: Artículo de Kathie White en Artnet news del 30 de julio 2020 Artemisia Getileschi - Judith beheading Holofernes

Esta versión se encuentra en la Galería Uffizien de Florencia.

Die Komplizenschaft der Frauen

Aquí hay cuatro imágenes que muestran a Judith y su criada Abra tras el crimen. Con la cabeza en el cesto o tirada en el suelo, justo antes de llevársela. En la pintura más antigua, de 1618/1619, veo la forma casi fría y vigorosa en que Judith se lleva la espada al hombro. Es genial. Estas son grandes obras del claroscuro, la forma en que Gentileschi trata la luz es impresionante.

La primera pintura, y más antigua, de esta serie se encuentra en el Palazzo Pitti de Florencia en la Galleria Palatina, la segunda en Cannes en el Musée de la Castre, la tercera en Detroit en el Institute of Arts y la cuarta en Napoles en el Museo di Capodimonte.

Artemisia Gentileschi Selbstporträt als Märtyrerin

Este es un autorretrato mártir de 1615. Lo puedes ver en las Newhouse Galleries de Nueva York.

Tassi pronto volvía a estar libre. Artemisia sufrió las consecuencias, perdió su reputación. Así que, solo dos días tras anunciarse el veredicto, se casó con el pintor Pietro Antonio di Vicenzo Stiattesi y se mudó a Florencia con él. Rápidamente se estableció en Florencia y se convirtió en una pintora respetada en el círculo de artistas. Su amistad con Galileo Galiliei se evidencia en su larga correspondencia. Artemisia fue la primera mujer en ser aceptada en la academia de arte local Accademia dell’Arte del Disegno, en 1616. En 1620 nació su hija Palmira, que la mantuvo ocupada. Aun así, el Gran Duque de Toscana, Cosimo II, le dio importantes encargos.

Artemisia Gentileschi Maria Magdalena in Exstase unbestimmt

María Magdalena en éxtasis,

este cuadro se perdió hace mucho tiempo, solo se conocía una foto. No fue hasta 2011 que reapareció en una colección privada. 3 años más tarde fue subastado en Sotheby's. María Magdalena en éxtasis religioso... Pero yo aquí veo placer. Disfrute. Relajación. Las manos agarran la rodilla, no rezan.

Fuente: Artemisia Blog

Artemisia Gentileschi Gael and Sisara 1620

Inmisericorde…

Este es el cuadro Yael y Sísara de 1620. Es uno de los últimos cuadros que Gentileschi pintó en Florencia. Ese mismo año dejó la ciudad para regresar a Roma sin su marido, que probablemente se había endeudado bastante. Dejo espacio para suposiciones.

Sísara era un líder militar cananeo. Sus novecientos aurigas fueron derrotados por los israelitas en un ataque sorpresa. Sísara escapó y se refugió en la tienda de Yael, la esposa de Heber Ceneo. Cuando se quedó dormido, ella le clavó una estaca en el cerebro. Así se cumplió la predicción de la profeta Débora, de que una mujer mataría a Sísara. Gentileschi no coloca la escena en una tienda de campaña, sino en un palacio. Su firma se puede leer en la pared al fondo. Firmó con el apellido de soltera de su padre "Lomi".

Sísara duerme tranquilamente, casi como un niño. Tiene una mano bajo el vestido de Yael, lo que hace la situación aún más cruel. Yael tiene la estaca en la mano y la sube a la altura de la oreja. Con el otro brazo balancea un martillo. Claramente no dudará ni un momento. Su rostro se ve tranquilo, decidido. También aquí, como en el caso de Judith, parece un trabajo que debe hacer altamente concentrada, sin piedad, sin dudas. Me parece una ironía o incluso un sarcasmo. La primera vez que lo vi, hice una mueca. Ésta joven, con su delicioso y bello pecho, y su rostro neutro, nada antipático, toma las herramientas para matar a alguien que se ha refugiado con ella. Me pregunto qué aspecto tenía Pietro Antonio di Vicenzo Stiattes, el marido de Gentileschi en ese momento. Quizás se parecía a Sísara en este cuadro.

Artemisia gentileschi Judith und ihre Magd ca. 1645-1650

Este momento unico en luz y sombra

Judith y su criada hacen una pausa porque oyen un ruido frente a la tienda de Holofernes. Una sola vela ilumina el interior oscuro. La mano de Judith protege su rostro de la luz y llama la atención sobre el guantelete de hierro desechado de Holofernes. La criada agarra la cabeza cortada de Holofernes. Me gustaría volver a mostrar esta imagen en detalle, por su fantástico tratamiento teatral de la luz. Como su padre, Gentileschi pertenecía a la escuela caravaggista. La imagen es un ejemplo especial del clarosuro, la técnica que Caravaggio había desarrollado principalmente. Michelangelo Merisi de Caravaggio era un amigo cercano del padre. Gentileschi desarrolló aún más el caravaggismo al hacer que los colores brillaran aún más y más. Sus colores característicos son los tonos marrones y ocres, el rojo vivo y el azul fuerte, así como matices en tonos anaranjados. Típicos de ella son también los pliegues cuidadosamente pintados y la alta materialidad de la ropa.

La virgen enérgica

Artemisia Gentileschi, La Virgen con el Niño y Rosario de 1650, y Max Ernst, La Virgen castiga al Niño Jesús frente a tres testigos: André Breton, Paul Éluard y el pintor, de 1926. En realidad, los dos cuadros tienen poco en común. En la imagen de Gentileschi vemos a María jugando tiernamente con su hijo. Max Ernst muestra a María golpeando violentamente a su hijo. Incluso se ha caído el halo del niño Jesús. Los tres pintores miran la escena como voyeristas. Estos cuadros los separan algo menos de 300 años. Sin embargo, siempre los relacioné en mi cabeza y antes de estudiarlos a fondo, estaba convencida de que Max Ernst se había inspirado en la María y el niño de Gentileschi, pero obviamente no había mirado en detalle. Creo que tuve esta impresión porque la María de Ernst es tan salvaje y fuerte en su físico, que pensé que se había orientado en Gentileschi y sus figuras femeninas tan robustas y presentes.

Artemisia Gentileschi volvió a Roma en 1623 con sus dos hijas, donde recibiría importantes encargos. En 1630 se trasladó a Nápoles, que en ese momento era más grande e importante que Roma. Allí dirigió un taller de pintura, tenía empleados y recibía más dinero por sus obras que sus colegas masculinos.

Durante un tiempo también se quedó en la corte inglesa, donde pintó un techo junto a su padre, que entonces trabajaba allí. Después de la muerte de su padre, regresó a Nápoles, donde vivió y pintó hasta el día de su muerte.

Artemisia Gentileschi Lucrezia um 1650

Lucrecia de Artemisia Gentileschi alrededor de 1650.

Citas de Artemisia Gentileschi:

"Mientras viva, estaré en control de mi ser."

"Mi ilustre señoría, le mostraré de lo que es capaz una mujer."

“Hice un voto solemne de no enviar nunca mis dibujos porque ya me habían traicionado. Hoy mismo me he percatado de que el obispo de Santa Gala, para quien había hecho un dibujo de las almas del purgatorio, había contratado a otro pintor que hizo uso de mi obra porque este pintor le salía más barato. No puedo imaginar que hubiera sucedido si yo fuera un hombre."

"Conmigo, su ilustre señoría, no perderá y encontrará el espíritu de César en el alma de una mujer."

Artemisia estaba decidida a luchar para ser considerada como igual por sus colegas masculinos. Aunque reconoció los prejuicios de la época de que "el nombre de una mujer se pondrá en duda hasta que se vea su obra", afirma que su obra "hablará por sí sola".

Exposición de pintoras renacentistas y barrocos con obras de Artemisia Gentileschi:

LE SIGNORE DELL'ARTE. Storie di donne tra '500 e '600

5 de febrero - 6 de junio de 2021 Palazzo Real de Milán